(Brian Heason HBM Promotions/Music Plugger) Formar parte de Brass Camel presenta tantas situaciones que, a primera vista, pueden parecer casi paradójicas. La música es funky, pero también progresiva. A veces es muy seria y al minuto siguiente, desconcertantemente etérea. En el escenario, la banda se mueve por la cuerda floja entre la búsqueda de la precisión clínica y la capacidad de soltarse como una banda de jam psicodélica. Es la culminación de estos diversos equilibrios lo que hace de Camel una banda increíblemente gratificante y divertida, y creo que también es la razón por la que podemos ser un grupo difícil de identificar. Con demasiada frecuencia nos presentan una evaluación, ya sea una reseña de un concierto o álbum o simplemente un comentario rápido, como: «Nunca he visto nada parecido, ¿cómo llamarías a ese tipo de música? ¿Es progresiva? ¿Es funk rock? ¿Es heavy metal?». Y eso es lo que nos emociona: no hay reglas en esta banda. Simplemente somos Brass Camel y eso puede significar lo que quieras.
Desde enero de 2023, cuando nos convertimos en una verdadera «banda» con la incorporación de dos miembros cruciales, hemos recorrido Canadá cuatro veces y ha sido muy estimulante ver a cada vez más gente asistir a los conciertos y responder a la música. Grabamos nuestro segundo álbum, «Camel», en 2024 y empezamos a planificar una gira de seis semanas para promocionar su lanzamiento en abril de 2025. Con un ritmo de gira algo más lento en el invierno de 2024, tras un año y medio incansable de conciertos, estaba decidido a dedicar más tiempo que nunca a componer música, y eso fue lo que hice. Cada mañana iba al estudio y empezaba a trabajar en las canciones, y en poco tiempo tenía una enorme cantidad de material en bruto que revisar. Fue emocionante porque, por primera vez, esperábamos con ilusión una grabación compuesta por material completamente nuevo, nada que hubiera estado dando vueltas durante dos o tres años antes de entrar en el estudio. Empezamos a repasar canciones y maquetas con la idea de grabarlas a finales de 2025.
Nos hicimos amigos de la increíble gente de Crown Lands durante una gira a finales de 2024, después de que Kevin (Comeau) viniera a nuestro concierto en el Longboat Hall de Toronto. Nos invitó a pasar un rato en los preciosos Chalet Studios de Uxbridge en un día libre, a lo que le aceptamos encantados, y tras unas horas hablando de música y tocando temas populares como «The Battle of Epping Forest» de Genesis, conectamos como almas gemelas. Teníamos que volver a la carretera para el viaje de vuelta a casa, pero todos coincidimos en que sería genial volver al Chalet y, como mínimo, pasar un rato y posiblemente grabar algún vídeo de sesión en directo.
Unos meses después, me pongo a hablar con Kevin sobre nuestros planes de gira y le comento que tenemos mucho material nuevo que algún día formará parte de un tercer álbum. Una cosa lleva a la otra y se ideó un plan para acelerar drásticamente el calendario: en lugar de esperar hasta el otoño y grabar por nuestra cuenta, pasaríamos por Uxbridge durante la gira por Ontario y grabaríamos un LP de diez canciones entre conciertos del fin de semana. Parecía un reto monumental, pero nunca hemos sido de los que hacen las cosas a la ligera, así que lo concretamos y nos pusimos a trabajar en el desarrollo de estas canciones, que se grabarían con Kevin al mando como ingeniero y coproductor.
El material de este disco se inspira en diversos lugares, en términos de influencias musicales, inspiración lírica y nuestras propias experiencias de vida:
«You’ve Got Time». El álbum comienza con «You’ve Got Time», que musicalmente surge de imaginar a los Grateful Dead tocando Rush y que, líricamente, fue escrita como un tónico para la tercera canción, «Why Bother?». Esta última fue descrita como un himno a la depresión por el director de su próximo videoclip, mientras que la primera es una canción esperanzadora que anima a no ser demasiado duro consigo mismo porque la vida es dura y uno simplemente tiene que, como dicen The Proclaimers, hacer lo mejor que pueda.
Letra relevante: «A veces es difícil reconciliarse/el avance constante con las nuevas pruebas de cada día/pero si sientes la presión de las excepciones y los arrepentimientos/y las obligaciones y los plazos/respira/no te preocupes/tienes tiempo/para moldear el mundo que deseas ver en tu diseño/para ver cómo se desarrolla la obra en el escenario y seguir el guion que tenías en mente».
«What Are You Going to Do». En segundo lugar está «What Are You Going to Do”, que es una canción sobre la devastación ambiental. Leí Primavera Silenciosa en el instituto, vendía fotografías de vida silvestre y no puedo pasar junto a un alce en gira sin frenar a fondo para verlo mejor. Amo la naturaleza y es difícil no sentir pavor al leer sobre la mortandad de insectos, el aumento de la temperatura del océano y la inacción general, o peor aún, la indiferencia más absoluta, ante los esfuerzos de los gobiernos por controlar la situación.
Letra relevante: “Llenaron las marismas para construirte centros comerciales/y en ellas te vendieron un mundo de dolor/y así el busardo sonríe en lo alto del poste/esperando para descuartizar tus restos/la decisión es tuya/si no tienes la cabeza en las nubes/¿qué vas a hacer al respecto ahora?”
«Why bother». Leí un dicho que le citaron a Churchill: «Nunca corras si puedes caminar, nunca camines si puedes estar de pie, nunca te quedes de pie si puedes sentarte y nunca te sientes si puedes acostarte». Me pareció divertidísimo viniendo de alguien que, dejando de lado sus defectos, no podía ser acusado de ser menos que una persona altamente motivada. Tenía una pegadiza canción de Wurlitzer pegada en la cabeza y empecé a escribir una canción sobre hacer lo mínimo indispensable, porque ¿qué sentido tiene? Eso se convirtió en «Para qué molestarse». Después pensé: «Dios mío, qué melodía tan desoladora, líricamente» y pensé que debería escribir una canción con sentimientos opuestos. Eso dio origen a la canción que abre el álbum, «You’ve Got Time».
Letras relevantes: «Salas de espera/y melodías muertas/repitiendo/en tu cabeza/y lo mismo/ahí afuera en las calles/cuando todos te dicen «no hay vida»/subes la colina hasta llegar a la cima/una vez allí miras a tu alrededor/y desearías haberte parado/a oler las rosas que florecieron en el camino/todas se han marchitado/su belleza se ha echado a perder/porque tenías facturas que pagar».
«Can’t Say We Didn’t Try». Odio la guerra, pero me encantan los aviones y, por desgracia, al igual que las iglesias y las mezquitas tienen los edificios más impresionantes, la industria de la aviación militar produce las máquinas más memorables. Esta es la tercera canción de nuestro catálogo (la primera es «The Last Flight of the Vulcan» en instrumentos de viento metal) sobre un avión. En la década de 1940, un B29 Superfortress, apodado «Kee Bird», realizó un aterrizaje de emergencia en Groenlandia. La tripulación fue evacuada, pero el bombardero permaneció congelado hasta la década de 1990. Viendo que el frío había preservado a esta rara ave, se realizó un esfuerzo monumental para restaurarlo in situ con el objetivo final de que esta reluciente máquina volara lejos de donde estaba. Cuando llegó el día de despegar, un motor se incendió y lo quemó por completo. Pensé que esta era una historia interesante en el panteón de los cuentos de aviación.
Letras relevantes: “No paso por debajo de ninguna escalera/no tiro sal para verla dispersarse/quién sabe si importa/pero ¿por qué arriesgarse cuando tenemos la oportunidad/de soltar un monstruo/plata brillante del 29/no puedes decir que no lo intentamos?”
«Ice Cold». Esto se inspiró en la conversación de Curtis sobre un artículo de la National Film Board que había visto sobre la vida al norte de los sesenta. Me sumergí en mi propia madriguera documental y escribí la letra de Ice Cold; son mis reflexiones sobre la resiliencia norteña y una forma de vida que nos parece casi incomprensible aquí, en el templado sur del país.
Letra relevante: “Las estrellas trazan nuevos horizontes/el sol de medianoche sale lentamente/y luego se pone de nuevo/el hielo, vivo con risas antiguas/de vez en cuando y para siempre/y no ha cambiado desde entonces, no puedo decirte cuándo/una prueba del corazón y la mente/donde los débiles se quedan atrás/pero a pesar de lo que te han dicho/no lo cambiaríamos por nada del mundo”.
«Careful What You Wish For». ¿A quién no le gustan las historias de miedo? Leí sobre el mito del diablo de Leeds/Nueva Jersey y me proporcionó muchas imágenes viscerales: un bebé humano que se transforma en una feroz bestia alada allí mismo en la sala de partos, sorprendiendo y aterrorizando a todos excepto a la propia madre del bebé, quien predijo este destino para su decimotercer hijo no deseado. Pensé: «Al diablo, escribamos una canción espeluznante».
Letra relevante: «La madre en la mesa/se rió entre dientes al saber/que sus oraciones habían sido escuchadas/y que todas se estaban haciendo realidad/el sacerdote en la esquina/tembló y se agarró el pecho/mientras este dechado de maldad/tallado de carne viva/enfrentaba las indignidades de la infancia poniéndose de pie/tenga cuidado con lo que desea, Sra. Leeds».
«Everybody Loves a Scandal». IA… ¡Menuda lata de gusanos, ¿verdad? Esta canción, la primera que Aubrey y yo coescribimos, surgió mientras hablábamos sobre música y visuales con IA y las conversaciones éticas que las rodean. Escribimos y tocamos nuestra música sin ayuda de ordenador, pero cuando la tecnología estaba en sus inicios, empezábamos muchos de nuestros diseños de carteles con IA y luego usábamos una tableta gráfica para convertirlos en algo propio. Para nosotros, una banda indie sin blanca, fue la primera vez que pudimos permitirnos presentar gráficos únicos en cada concierto. En lo que a nosotros respecta, los músicos hemos tenido que acostumbrarnos una y otra vez durante las últimas décadas: primero las cajas de ritmos, luego el sampling, luego las descargas y finalmente el streaming. Vimos una herramienta que nos podía dar ventaja y la usamos un tiempo. Dejamos de usarla porque: A) nos esforzamos mucho en tocar, escribir y desarrollar ideas originales; no queríamos que alguien viera un póster en cuya creación participó la IA y asumiera que escribimos música de la misma manera, y B) los argumentos éticos y ambientales en su contra son lo suficientemente convincentes como para no querer tocarla. Pero tras haber presentado lo que consideramos justificaciones válidas para el uso de la tecnología, surgió la idea de esta canción.
Cuando Aubrey y yo nos juntamos para intentar escribir individualmente, pensamos: «Escribamos una canción desde el punto de vista de alguien que escribe su música completamente con IA y no se arrepiente en absoluto». Al final, ya teníamos una demo de esta canción y es una de nuestras favoritas del álbum porque abarca intencionalmente muchos estilos diferentes y, al final, «los humanos ganan». Para el video musical, construimos un disfraz de robot y grabamos un video musical completo dentro del video para contar la historia de un robot que sufre de bloqueo creativo, lo que incita a los humanos a componer una canción.
Letra relevante: «Ahí va el genio/se fue/los periódicos dijeron «regresa a tu botella»/y él dijo «hoy no»/está muy apretado/y sabes que hay una posibilidad/de que Asimov esté en su tumba grabando (el disco)/porque sabes que lo aprueba/así que ¿qué tal si ignoras la letra/por qué no te dejas llevar por el ritmo?»
«Catch Us If You Can». Esta canción, sin duda la más «progresiva» del álbum, fue compuesta a última hora, días antes de salir de gira. En los últimos dos años hemos hecho muy pocas versiones completas, pero hemos incluido muchos fragmentos de canciones que realmente rompen el molde, como «Brother to Brother» de Gino Vanelli, «Elegant Gypsy Suite» de Al di Meola o «La Villa Strangiato» de Rush. Antes de salir de gira, pensé que sería genial componer nuestra propia pieza, que nos permitiera tocar un set completamente original y, al mismo tiempo, soltarnos con material más técnico. Esta la compusimos una mañana, con un espresso y una fecha límite. La introducción de la canción me había dado aires de película de espías, así que redoblé la apuesta con una letra sobre espionaje, subterfugios y las recientes tensiones políticas, inspirada por la actual administración estadounidense y llena de alusiones a la Guerra de 1812. Odiaría imaginar un escenario en el que Estados Unidos invadiera Canadá o se lo anexara por otros medios. Militarmente, estoy seguro de que nos aplastarían en cuestión de horas o días, pero las décadas siguientes serían una pesadilla; ¿te imaginas lo difícil que sería evitar la infiltración? Nosotros, los liberales canadienses, sin duda haríamos que el Viet Cong pareciera un maldito Teletubbie. Nos parecemos, sonamos igual, compartimos tantas costumbres… ¡Atrápanos si puedes! No nos pongas en una lista, Estados Unidos. Esto es una obra de ficción.
Letras relevantes: “¿No recuerdas sentir la brisa soplar/ver el cielo brillar sobre la niebla/la madera ardiendo de la gran casa/parece que se han apagado las luces en el astillero/dos personas con la misma cara/compitiendo por el mismo lugar/pero una no pertenece/fusión sin esfuerzo/sabotaje/infiltración/debiste haber sabido después de la primera vez/que una vez más trazaríamos una línea dura/y nos escaparíamos de entre tus manos/atrápanos si puedes”.
«Last Call». La canción más oscura del álbum, y también la más sencilla. Solemos incluir muchas notas, acordes y cambios en nuestras canciones, y quería desafiarme a mí mismo para escribir una canción extremadamente simple: ¡una excusa perfecta para, como mínimo, recurrir a grandes acordes de Oberheim! La letra surgió después de leer sobre la guerra civil en Siria. Recordé haber leído el relato de Shelby Foote sobre la guerra civil estadounidense hace años (fascinante, pero largo y árido), y haber visto Hotel Rwanda poco antes. Algo que me quedó grabado es ese período de aparente inevitabilidad en tantas guerras civiles: donde tanto los políticos como la población saben que la situación está tensa, pero no saben con qué rapidez se desatará cuando se dé el último golpe. Es aterrador pensar en ello e inspiró «Last Call».
Letra relevante: «Cierra las puertas/no queda nadie en quien confiar/tus vecinos te saludan al amanecer/y te derriban al anochecer/las líneas están trazadas/esos viejos lazos se rompen/te rindes al odio que supura en la oscuridad/y no verás la vida hasta que esté enterrada en tu corazón/última llamada/nos desvaneceremos en la oscuridad/el sueño ha muerto/no hay vuelta atrás».
«This is Goodbye». Nuestro primer álbum, Brass, comienza con una canción llamada First Contact. Llevaba tiempo planeando titular el tercer álbum «Brass Camel», que cerraría la trilogía Brass-Camel-Brass Camel, y pensé que me encantaría concluir el álbum y la trilogía con algo como «Farewell» o «Goodbye». Escuchamos mucho a Gordon Lightfoot cuando conducimos por Ontario y recuerdo mi sorpresa al descubrir que el Edmund Fitzgerald se hundió en 1975, solo un año antes de que saliera la famosa canción de Lightfoot; no todas las canciones sobre catástrofes tratan sobre algo que ocurrió un siglo antes. No soy fan de la clase multimillonaria, como demuestra la letra, pero como aparentemente todos en el hemisferio occidental, mi ciclo de noticias se había visto invadido por la catástrofe del sumergible Titán a finales de 2023. Había mucho que analizar: la imposibilidad de poder hacer un viaje de placer a un lugar tan inhóspito, La insensata arrogancia y la indiferencia hacia el bienestar ajeno que mostró el director ejecutivo de Oceangate, la incertidumbre de esperar a saber si los seres queridos serían recuperados o si se habrían licuado por la presión del mar profundo… todo era interesante y eso inspiró esta canción sobre un desastre en las profundidades marinas.
Letra relevante: “Sin comodidades/más como cerdos en una pocilga/llámalo una oportunidad para que los ricos pasen unas horas caminando en los zapatos de tú y yo/como el pobre Egeo, un entierro apropiado en el mar/en forma de una fina niebla en polvo/demasiado pequeña para que los ojos la vean/la materia pulverizada reemplaza triunfos, esperanzas y sueños/hasta luego/esto es un adiós”.
El proceso de grabación
Atravesando bosques, valles (gracias GL), llanuras y el escudo canadiense, la caravana de Camel tardó solo cinco días en recorrer la distancia desde nuestra fiesta de lanzamiento del álbum en Vancouver el 19 de abril hasta los conciertos con entradas agotadas en Ottawa y Montreal. Con problemas con el autobús, incluyendo un reventón de rueda en el camino, el viaje de ida fue un viaje lleno de dramas, pero llegamos sanos y salvos y pasamos un fin de semana fantástico donde pudimos probar parte del nuevo material el viernes y el sábado antes de ir a Uxbridge el domingo, donde nos instalamos en el Chalet. El estudio, dirigido por David Chester, es un lugar único y especial. Inspirado en Le Studio, el legendario estudio frente al lago en Morin Heights, Quebec, donde grabaron artistas como Rush, The Police y David Bowie, es un estudio residencial; la banda se aloja allí, lo que significa más tiempo para crear música. De hecho, Rush pasó años usando el Chalet como base para componer y ensayar. Es rural, encantador e inspirador.
Con todo listo el domingo por la noche, empezamos a grabar el álbum temprano el lunes por la mañana. Con Kevin al mando como ingeniero, grabamos las pistas base de mi guitarra, el bajo de Curtis y la batería de Wyatt para diez canciones en dos días. Queríamos un álbum que se sintiera «vivo», como muchos álbumes de rock moderno, rock progresivo o técnico, que nos parecen casi desangelados en su cuantificación, edición y todo lo que se hace en nombre de la perfección. Todas esas miles de horas que pasamos juntos en el escenario durante los últimos tres años nos ayudaron a tocar juntos de una manera diferente a como lo habíamos hecho antes (en el estudio). Fue divertido y también una experiencia diferente a la que habíamos tenido antes porque, al estar en una granja y no en un pasillo ruidoso del centro, la sala del Chalet A tiene un enorme ventanal con vistas a un hermoso campo y un bosque. Todos hemos grabado en muchos estudios con diferentes bandas, pero esta fue la primera vez que tuvimos luz natural y encantadores paisajes campestres para disfrutar mientras tocábamos. Hubo zorros y tormentas eléctricas (que oirán en el disco), hermosos días soleados y ranas cantando, todo ello contribuyó a la fantástica atmósfera que inspiró el proceso de grabación. Tener a Kevin a bordo fue fabuloso: es un experto en la sala de control y pudo ofrecernos muchísima información y comentarios útiles mientras grabábamos. Nunca antes habíamos trabajado con un productor (Ben Kaplan aparece como coproductor en Camel, pero se lo solicitamos debido a su interés en la postproducción, más que por los consejos de preproducción/durante la sesión, que uno podría considerar en el sentido de producción de rock clásico). Tener a alguien cuya visión coincide claramente con la nuestra para ayudarnos a dirigir el barco hacia la meta fue fantástico. Hizo algunas sugerencias que tuvieron un impacto muy positivo en las pistas.
Una vez terminadas las pistas, pasamos el resto del tiempo en Chalet grabando multitud de teclados y guitarras. El cierre de 12 minutos de Camel, «Another Day», puede que tuviera un solo de Minimoog de 3 minutos (lo siento, fans del progresivo, este nuevo álbum no), pero Brass Camel tiene mucho más derecho a ser un disco impulsado por las teclas, ya sea piano de cola, Rhodes, Clarinet D6 (¡gracias, Ben K!) o bombas de bajo de Oberheim. Aubrey realmente se destacó en este disco, con una voz instrumental claramente definida, y hay una plenitud de acordes en este álbum que, en mi opinión, no se encuentra en los dos primeros. Nos lo pasamos genial eligiendo tonos e instrumentos, e incluso grabamos la intro de «Everybody Loves a Scandal» en un auténtico clavicordio francés de doble teclado, estilo siglo XVII, hecho a mano por el luthier Craig Tomlinson. Claro que nos habría venido bien una muestra, pero ¿qué gracia tiene?
Después de 8 días en el estudio (con un fin de semana de conciertos entre medias), volvimos a la carretera para completar la gira de vuelta a casa. Kevin voló a Vancouver, donde terminamos la grabación con voces, sobregrabaciones de guitarra y varios detalles de foley y percusión. Con el disco listo para mezclar, ¡solo teníamos que encontrar la pieza perfecta!
Terry Brown: Ingeniero de mezcla
Ingeniero de Axis Bold as Love de Jimi Hendrix, productor y mezclador de todos los álbumes de Rush en su legendaria etapa, desde Fly by Night hasta Signals, y posiblemente la persona con la que he hablado por teléfono más amable, fue un auténtico honor trabajar con Terry Brown en la mezcla de este disco. Kevin conoce a Terry desde hace años y nos presentó por correo electrónico durante la grabación. Nos intrigó de inmediato la posibilidad de que Terry mezclara el disco; más que nuestro amor por Rush y su evidente atractivo por su asociación con nuestros discos favoritos, fue la idea de trabajar con alguien que había mezclado discos increíbles en una época en la que quizá existía una filosofía ligeramente diferente sobre cómo debería sonar el producto final. Espero que este enfoque no sea autosabotaje, pero francamente me importa un bledo si somos «competitivos» cuando tocamos junto a, por ejemplo, The Glorious Sons. Claro que nos encantaría aparecer en la radio o en las listas de éxitos, pero dada la improbabilidad estadística de «triunfar» en la industria, mi mayor motivación para hacer discos es hacer algo que quiera escuchar en mi tiempo libre. Y me gustan las grabaciones que suenan naturales. Todavía se consigue eso con el jazz, el folk y el bluegrass, pero con el rock y el progresivo hoy en día se hace tanto en postproducción que rara vez satisface la necesidad auditiva que, por ejemplo, satisfacen Moving Pictures o Feats Don’t Fail Me Now. Si bien esa escuela moderna de mezcla tiene su lugar y sus ventajas, sentimos que, a pesar del increíble trabajo de Ben Kaplan al darnos una mezcla impactante de rock moderno, nuestros dos primeros álbumes no reflejaban necesariamente cómo sonamos en directo. Queríamos mezclar el tercer álbum de forma que lo que se escuche sea esencialmente lo que grabamos. Queríamos algo más natural con este tema, y el enfoque de Terry de «mezclémoslo, no arreglémoslo» sonaba exactamente como buscábamos. Empezamos y fue un placer trabajar con él, principalmente por teléfono, para lograr la mezcla que buscábamos. Terry tiene un gran sentido del humor y cada conversación telefónica es un placer; posee una visión fabulosa, fruto de su experiencia, y cuando toma una decisión sobre la mezcla, siempre tiene una buena razón. No tardamos mucho en conseguir que sonara justo como queríamos y luego nos fuimos a masterizar (a cargo de João Carvalho en Toronto). Sigue siendo un viaje leer «mezclado por Terry Brown» en las notas del álbum.
«‘Brass Camel’ es, apropiadamente, el primer disco de Brass Camel que, en mi opinión, suena como un disco de Brass Camel. Hemos pasado quién sabe cuántas horas juntos en un autobús, en el estudio y en el escenario, y me gustaría creer que eso se refleja en esta colección de canciones y grabaciones. Estuvimos concentrados, motivados y con mucha determinación durante todo el proceso y estamos deseando tocar estas canciones en directo por todo el país y, a finales de este año, en Europa (y, con suerte, en el Reino Unido). Este álbum es más denso en cuanto a letras (tiene más palabras que nuestros dos primeros LP juntos) y más ambicioso musicalmente, más peculiar y, sin embargo, más accesible que nuestros trabajos anteriores. Hay muchas sutilezas y sorpresas ocultas en los arreglos que espero que hagan que cada escucha sea más entretenida que la anterior. Cuando es funk, es más funky. Cuando es progresivo, es más progresivo. Cuando es fuerte, es más fuerte. Cuando es tranquilo, es más tranquilo. Hay mucho más, pero todo es Brass Camel. Espero que lo disfruten», Daniel Sveinson.
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